Los secretos del Laberinto del Fauno


Inspirada en la misma oscuridad y frialdad de realidades de los clásicos cuentos de hadas de Andersen, Grimm o Perrault se presenta en 2007 una interesante apuesta del director Guillermo del Toro: El Laberinto del Fauno. En el marco de la cruda realidad social de la España de post-guerra, Del Toro nos presenta el delgado hilo entre la ilusión y la realidad, entrelazando dos historias que desarrollan en mundos aprentemente paralelos, que dan vida al debate entre la existencia de las formas y la percepción.

El film pareciera dejar a libre interpretación el mensaje de la película, mutando de forma dependiendo si el espectador considera el mundo de Ofelia físicamente real o psicológicamente creado. Sin embargo creo que Del Toro efectivamente imprimió un mensaje, una idea que más que tratar la existencia física o no de un mundo fantástico, se centra en analizar la raíz verdadera de lo que es real y posible.

Dos enfoques de la realidad

El corte psicológico de Ofelia, referido a su forma de pensar, de imaginar y de ver la vida, difiere en su totalidad al enfoque de las personas que la rodean, que envueltas en una profunda crísis social en donde reina la pobreza, la opresión y el temor, ven la vida como la necesidad de supervivencia ante un ambiente continuamente hostil, donde reina la desesperación y el odio en vez de la paz y el amor. Ofelia, por el contrario, vive de la liberación de su mente y de la curiosidad, enamorada de los cuentos de hadas sueña con un mundo mágico dominado por la felicidad y la armonía. Una contraposición radical al mundo de sufrimiento que la rodea: la ausencia de su padre, el aislamiento de otros niños, la enfermedad de su madre y la rudeza de su padrastro, bajo el ambiente de un país devastado.

A lo largo de la historia Ofelia va siendo partícipe de una serie de eventos fantásticos, desde su encuentro con insectos que se transforman en hadas o con el mismo Fauno, hasta portales creados por una tiza mágica, una llave encontrada en el interior de un sapo gigante o una mandrágora revitalizadora.
Del Toro nos muestra como todos aquellos objetos y creaciones mágicas que son reales para Ofelia no son más que simples objetos a los ojos de los otros personajes, en tres escenas principales:
1) Cuando los criados van a buscarla ven dibujados cuadros de tiza en las paredes que para Ofelia son portales a otros lugares que desparecen al cabo de un tiempo.
2) El capitán Vidal encuentra debajo de la cama de Ofelia un tuberculo en un plato de leche que a los ojos de ella era una mandrágora viva que revitalizaba a su madre.
3) El mismo capitán ve a Ofelia hablar sola, mientras esta conversaba con el Fauno minutos antes de dispararle.

Sobre la existencia

Ante esto se plantea el debate acerca de lo que es verdaderamente real. ¿Es acaso real lo que la mayoría puede ver?. ¿O será mas bien real lo que es palpable? En ese caso tanto el fauno, como la mandrágora, como las hadas y los portales, así como el peligro relacionado a estos es real para Ofelia, pues los percibe y cree en ellos fielmente. Pienso que Del Toro trata de transmitir que existe un delgado hilo entre la realidad y la ilusión, entre lo que se considera físicamente existente y lo que se considera físicamente imposible.
De esta manera se plantea la realidad más allá de una existencia aislada e idempotente -- que es ella en sí misma --, sino que se traslada al plano de una realidad perceptiva conformada por los sentimientos, la asociación de formas y la ilusión. Es decir que la realidad es propia de la percepción consciente e inconsciente de las formas por parte de una persona, y así nada existe de la misma forma para todas las personas, al igual que el color de los objetos existe solo en reflejo de la luz. Un árbol puede significar para alguien una planta que surge de la tierra como para otro un sinónimo de vida o el recuerdo de algun momento especial. De la misma forma que para los citadinos la lluvia es el proceso de condensación y precipitación del agua presente en las nubes como para otras tribus puede significar el mensaje de represión de un Dios.

La muerte de Ofelia

Al final de la historia se encuentra Ofelia con su hermano en brazos, el que se rehusa entregarle al Fauno para sacrificarle como parte de su tercera y última prueba. En ese momento el Capitán Vidal, inestable físicamente por encontrarse intoxicado, le dispara a Ofelia. Ofelia cae al suelo y derrama gotas de su sangre sobre la fuente del Fauno. Ha derramado sangre inocente, cumplió sus pruebas y esta lista para regresar a su reino, en donde es princesa.

¿Pero muere realmente Ofelia por el disparo del capitán?¿ Acaso no acababa de cumplir sus tres pruebas y estaba lista para volver a su reino?. Ya que las situaciones fantásticas de Ofelia se refieren a lo que percibe, a lo que asocia y cree de la realidad, su muerte puede significar más que un hecho físico, su muerte psicológica, entiende que ha cumplido y esta lista para partir. Esto podría justificar que una vez que se le muestra llegando a su reino y siendo recibida como princesa, se enfoca su cuerpo tendido sobre la tierra, abre los ojos y esboza una sonrisa para cerrar los ojos para siempre.

Pienso sin embargo que es imposible determinar si la muerte se debió realmente a una causa física o a una muerte psicológica, así como no se puede determinar si se intento mostrar la mandrágora, la tiza mágica o el Fauno como un hecho real, pues no hay una intención explicativa, sino más bien se busca que el espectador lo entienda tal y como percibe su propia realidad, y de esta manera está en él tomarlo como fantasía o realidad. Esta intención reflexiva la obtenemos en la frase final de la película que pone fin a la historia: " Y se dice que la princesa bajó al reino de su padre, y que ahí reino con justicia y bondad por muchos siglos. Que fue amada por sus subditos y que dejó de tras de sí pequeños pasos de sus huellas por el mundo visibles solo para aquel que sepa donde mirar".


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Cinco geniales cortos de Pixar

De la mano de sus innovadores y esperados largometrajes, Pixar regala al mundo año tras año una muestra de sus mejores habilidades en el arte de la animación a través de curiosos cortometrajes cargados de sus recurrentes elementos: expresividad emotiva, crítica y reflejo social, y un humor fino y profesional.
A continuación cinco de los mejores cortometrajes de Pixar, con una breve explicación de contenido. Se cargan bastante rápido, que los disfruten!.

Boundin' (2003)
Un corto musical compuesto por un conjunto de rimas sencillas y geniales, armonizado por ritmos y acentos típicos del sur de los Estados Unidos. El Jackalope, críatura fantástica representada en las leyendas como una mezcla entre un conejo y un antelope -- especie de ciervo americano, enseña a la oveja la búsqueda de la belleza interna y el autoestima como un camino a la felicidad.


For the Birds (2000)
Ganador del oscar como mejor corto animado en el 2000 cuenta la historia del rechazo de un conjunto de pájaros -todos iguales como estereotipo de la sociedad-- a otro pájaro diferente al resto, en el intento de este de congeniar. El resultado de esta actitud exclusiva y arrogante repesentada de una forma genial...


Geri's Game (1997)
También ganador del Oscar como mejor corto animado, entre otros muchos premios de gran reconocimiento, corresponde a la primera producción de Pixar en la que un ser humano es el personaje principal y fue publicada justo después de Toy Story (1997).
Una representación conmovedora del sentido de la felicidad en la "lucha" de Geri con su alter ego, consciente claro esta, en una puesta en pantalla interesante en la que destaca la gran calidad en la expresión facial de los sentimientos.
El personaje fue utilizado seguidamente en Toy Story 2 (1999) como reparador profesional de juguetes de colección.


One Man Band (2005)
El corto fue publicado junto al largometraje Cars en otra entrega netamente musical, en un despliegue de sincronización sonido-animación muy bien logrado. El picante sentido humorístico de siempre no podía faltar.




Jack-Jack Attack (2005)

Publicado en 2005 junto al largometraje The Incredibles es más bien una extensión de la película, mostrando en pantalla los sucesos ocurridos en la casa de los Parr mientras el bebé, Jack-Jack, es cuidado por la niñera. En el largometraje se referencia la escena a través de los mensajes que la niñera deja a Elastigirl, en el corto entramos directamente en la acción.
Muy divertido.





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Wall E : Madera de clásico

No en vano se habla de Pixar como el estudio de animación con el toque del rey Midas: idea que desarrollan, idea que convierten en oro, y Wall E (2008) no fue la excepción. Los numerosos trailers publicados antes del estreno no transmitieron, a mi parecer, ninguna clase de motivación particular por la película y llegaron a sembrar la incertidumbre de que Pixar podría haber fallado esta vez. Pero esta opacidad de los trailers quedó totalmente justificada al presentarse un largometraje animado de condiciones únicas: secuencias animadas con una calidad de vanguardia, una expresividad impactante y una serie de mensajes revestidos de una crítica arrolladora pero en busca de la reflexión, todo un clásico.

Existen tres elementos fundamentales en Wall E que sitúan a este film en un marco de innovación comunicativa: La comunicación limitada a las expresiones, una violenta crítica a la despreocupación del hombre, y la diferenciación del ser humano en dos épocas distintas en la caracterización de Wall E y Eva (que originalmente recibe el nombre de Eve por Extraterrestrial Vegetation Evaluator).

Una apuesta arriesgada

Los estudiosos del lenguaje aseguran que tan solo el 10% de la comunicación corresponde a las palabras que se utilizan. Y en esto se basó con fuerza Pixar para contrarrestar a los numerosos productores y críticos que dictaminaron el fracaso inminente de un film en el que los personajes principales pronuncian poco menos de cinco palabras diferentes.
La expresividad de Wall E y Eva es simplemente impactante y conmovedora, centrada en un magnífico manejo del ojos y los brazos.
En Wall E se presenta su timidez e inseguridad en el movimiento inquieto y torpe de sus manos y se enmarca la genialidad del personaje en dos ojos redondos y siempre abiertos que reflejan una inocencia tal que lo dotan de un alma propia, entrando en conexión inmediata con el espectador. Eva es un robot que tiene como rostro una pantalla que se refresca en cada una de sus expresiones, representadas por dos ojos de color plano bajo un estilo de caracterización japonés, que pese a su sencillez la revisten de una personalidad única.

Esta apuesta por una mezcla de comunicación meramente expresiva en los héroes y principalmente verbal en el resto de los personajes, que fue posible unicamente a través de un despliegue fenomenal de elementos de animación, permite a Pixar seguir siendo pionero en el campo del CGI -- computer generated imagery--.

Crítica rotunda ante una realidad inminente

La historia de amor entre Eva y Wall E queda como un elemento suplementario y a la vez contributivo ante la intención del film de transmitir crudamente la realidad de la despreocupación del hombre por su entorno, enmarcada en una sociedad obesa, genérica e individualista que pierden la capacidad de actuar sin la asistencia de máquinas, constituyéndose como una fuerte crítica a la sociedad estadounidense.
Los seres humanos han pasado mas de setecientos años viviendo en el axioma en un estado de comodidad absoluta, son tratados de manera genérica por lo cual todos consumen las mismas bebidas, se visten de la misma forma y se desplazan en los mismos aparatos. Han creado un mundo en el que las máquinas los mantienen eternamente mientras el planeta tierra ha quedado sin rastros de vida natural por consecuencia de la misma irresponsabilidad. Un reflejo de un futuro que parece inminente mientras se siga despreciando a la naturaleza en virtud de la comodidad y el avance tecnológico, representado en un modelo arquetípico de la sociedad americana: irresponsable, consumista y obesa.

A la par de esto se presenta al gobierno, claramente americano, incapaz de controlar la situación ni de asincerarse con su pueblo, al que envía al espacio como medida temporal y obliga luego a alejarse de la tierra, por una devastación que parece ser consecuencia de ellos mismos. Tal vez la única escena criticable de la película es la puesta en escena de una persona real y no animada, el presidente, que parece cortar con el hilo de la trama por resultar tal vez un poco chocante. Sin embargo considero que esta es la manera del director de reflejar que nos enfrentamos a un problema real, un problema de carne y hueso, y no un problema fictio ni animado.

Volvamos a ser humanos

Los seres humanos en el axioma han perdido relación con los elementos que los hacen humanos, desapareciendo las relaciones sociales, el sentido de colaboración y principalmente el amor. Y es exactamente esto lo que descubre Wall E en videos de musicales de los años sesenta, la armonía de los seres humanos a través de sus sentimientos. Wall E entiende el hecho de agarrarse de manos como amor, y es capaz de perseguir a Eva hasta el espacio para demostrárselo. Wall E aprende la inocencia y el amor plano y sincero viendo videos de lo que una vez fue la raza humana y que para ese momento no lo es ya. Un primer aviso, pero definitivo, de lo que puede resultar la humanidad a través de la pérdidad acelerada de los valores, un hecho patente en la sociedad actual.

Al final la película deja espacio para la esperanza y la rectificación. El capitán del axioma impresionado por las imágenes de lo que una vez fue la tierra e indignado por su estado actual decide vencer al control de las máquinas y devolver al planeta su estado natural. El axioma regresa al planeta y la raza humana comienza la rehabilitación de la tierra, haciendo énfasis en la colaboración entre las personas, incluso ayudadas por las máquinas, y en la educación de los jóvenes en los valores fundamentales de la vida. Al mismo tiempo Wall E y Eva logran expresarse su amor, se unen dos realidades que pese a ser tan divergentes son capaces de coexistir: el avance tecnológico y el sentido humano.

Y para cerrar con broche de oro están los créditos de la película, representando el avance de los seres humanos desde la vuelta a la tierra a través de las diferentes culturas de la historia, un toque de las más pura creatividad de estos amos de la animación.


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Nueva sección de encuestas

Con motivo de conocer más del gusto de los lectores se ha abierto una nueva aplicación de encuestas en la columna del blog que encuentran a su mano derecha. Cada semana se publicará una nueva encuesta acerca de películas, enfocadas en los roles de interpretación, temática, dirección, despliegue gráfico o cualquier otro elemento cinematográfico. Al darse por terminada la encuesta se publicará un artículo en referencia a los tópicos encuestados, haciendo énfasis en la elección realizada por los usuarios.

Los invito a participar en la primera de estas encuestas que inaugura el mes de Agosto. Se trata del gigante de la animación Pixar que en cada una de sus entregas nos regala films cargados de temáticas y técnicas de animación innovadoras. Pese a lo complicado de escoger algun largometraje de Pixar sobre otro, se invita a elegir el que consideres mejor logrado, es decir aquel que compenetre mejor los elementos de animación, temática y trama de forma integral.

Que lo disfruten!


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Más allá de los sueños. Segunda Parte: El infierno


A través del suicidio de Annie se presenta la conceptualización del infierno como el oscuro mundo de la conciencia del ser humano, aquel espacio indefinido e impreciso en donde reinan los mayores temores y el sentimiento de culpabilidad por lo hecho o lo dejado de hacer.
Annie, como suicida, recala en el infierno al morir, se encuentra destinada a luchar con sus demonios internos eternamente, pero más que estar destinada por alguna fuerza externa todopoderosa como un fatum o destino incambiable, se encuentra aprisionada por su propio desconcierto, es un ser que no termina de aceptar su partida del mundo terrenal y que vive encerrada en su propia tragedia psicológica, la misma que la ha llevado al suicidio.

Se presenta entonces un infierno como doble complementario del paraíso. Ambos se constituyen como un reflejo de la mente y del alma, pero mientras que uno se manifiesta como la vivificación de los deseos y de los sueños, la liberación del pensamiento, el otro se hace presente como un laberinto sin sálida de autotorturas psicológicas. Se presentan como la antagonía entre la liberación y la prisión del pensamiento.

Chris, consternado por la idea de que Annie resida eternamente en el infierno, decide ir en su búsqueda y rescatárla. Decide entonces afrontar su infierno; decide internarse en su propio oscuro mundo de dudas y temores, presentado brillantemente por el director en una secuencia de acciones en donde intercala escenas de su recorrido por el infierno, con escenas de su vida terrenal, que representan, unidas, la lucha del ser y su mente.
Al final de su recorrido encuentra a Annie, y es en ese punto en que el infierno personal alcanza los límites del autocontrol, cuando se topa con el infierno de otro ser, el de Annie.
El guía le indica a Chris que tiene tres minutos para hablar con ella antes de perder la cordura. Se presenta a Annie en el interior de su casa pero en un ambiente sórdido y decadente, ensimismada en sus ideas y ausente de la realidad, no es capáz de reconocer a nadie, porque en un principio no es capaz de reconocerse a sí misma.

En una escena profundamente sentimental e impactante Chris intenta que Annie lo reconozca y así mismo que se libere de su telaraña de torturas mentales, en donde se presenta la lucha de Chris con su sentimiento de culpabilidad por el suicidio de su esposa enfrentado a la lucha interna de Annie con sus demonios. Juntos luchan por la liberación individual de su alma.
Chris entiende que no puede sacar a Annie de su prisión y decide ceder ante la locura y entregarse junto a ella al infierno.

En la escena siguiente se encuentran ambos en el paraíso, en un entorno conformado por los deseos comúnes de estas almas gemelas. Chris se abandonó a la locura, renunciándo al paraíso o a la serenidad de su mente por Annie, y de esta forma Annie pudo ver más alla del encierro de sus ideas, entendiendo el perdón de Chris, siendo capaz entonces de liberar su pensamiento y perdonarse a sí misma. Es por esto que, liberados de la tortura de sus temores, pueden ambos recalar finalmente en el paraíso.


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