Focus: Análisis de películas

Los secretos del Laberinto del Fauno

2008-08-26T16:54:00.011-04:30

Inspirada en la misma oscuridad y frialdad de realidades de los clásicos cuentos de hadas de Andersen, Grimm o Perrault se presenta en 2007 una interesante apuesta del director Guillermo del Toro: El Laberinto del Fauno. En el marco de la cruda realidad social de la España de post-guerra, Del Toro nos presenta el delgado hilo entre la ilusión y la realidad, entrelazando dos historias que desarrollan en mundos aprentemente paralelos, que dan vida al debate entre la existencia de las formas y la percepción.

El film pareciera dejar a libre interpretación el mensaje de la película, mutando de forma dependiendo si el espectador considera el mundo de Ofelia físicamente real o psicológicamente creado. Sin embargo creo que Del Toro efectivamente imprimió un mensaje, una idea que más que tratar la existencia física o no de un mundo fantástico, se centra en analizar la raíz verdadera de lo que es real y posible.

Dos enfoques de la realidad

El corte psicológico de Ofelia, referido a su forma de pensar, de imaginar y de ver la vida, difiere en su totalidad al enfoque de las personas que la rodean, que envueltas en una profunda crísis social en donde reina la pobreza, la opresión y el temor, ven la vida como la necesidad de supervivencia ante un ambiente continuamente hostil, donde reina la desesperación y el odio en vez de la paz y el amor. Ofelia, por el contrario, vive de la liberación de su mente y de la curiosidad, enamorada de los cuentos de hadas sueña con un mundo mágico dominado por la felicidad y la armonía. Una contraposición radical al mundo de sufrimiento que la rodea: la ausencia de su padre, el aislamiento de otros niños, la enfermedad de su madre y la rudeza de su padrastro, bajo el ambiente de un país devastado.

A lo largo de la historia Ofelia va siendo partícipe de una serie de eventos fantásticos, desde su encuentro con insectos que se transforman en hadas o con el mismo Fauno, hasta portales creados por una tiza mágica, una llave encontrada en el interior de un sapo gigante o una mandrágora revitalizadora.
Del Toro nos muestra como todos aquellos objetos y creaciones mágicas que son reales para Ofelia no son más que simples objetos a los ojos de los otros personajes, en tres escenas principales:
1) Cuando los criados van a buscarla ven dibujados cuadros de tiza en las paredes que para Ofelia son portales a otros lugares que desparecen al cabo de un tiempo.
2) El capitán Vidal encuentra debajo de la cama de Ofelia un tuberculo en un plato de leche que a los ojos de ella era una mandrágora viva que revitalizaba a su madre.
3) El mismo capitán ve a Ofelia hablar sola, mientras esta conversaba con el Fauno minutos antes de dispararle.

Sobre la existencia

Ante esto se plantea el debate acerca de lo que es verdaderamente real. ¿Es acaso real lo que la mayoría puede ver?. ¿O será mas bien real lo que es palpable? En ese caso tanto el fauno, como la mandrágora, como las hadas y los portales, así como el peligro relacionado a estos es real para Ofelia, pues los percibe y cree en ellos fielmente. Pienso que Del Toro trata de transmitir que existe un delgado hilo entre la realidad y la ilusión, entre lo que se considera físicamente existente y lo que se considera físicamente imposible.
De esta manera se plantea la realidad más allá de una existencia aislada e idempotente -- que es ella en sí misma --, sino que se traslada al plano de una realidad perceptiva conformada por los sentimientos, la asociación de formas y la ilusión. Es decir que la realidad es propia de la percepción consciente e inconsciente de las formas por parte de una persona, y así nada existe de la misma forma para todas las personas, al igual que el color de los objetos existe solo en reflejo de la luz. Un árbol puede significar para alguien una planta que surge de la tierra como para otro un sinónimo de vida o el recuerdo de algun momento especial. De la misma forma que para los citadinos la lluvia es el proceso de condensación y precipitación del agua presente en las nubes como para otras tribus puede significar el mensaje de represión de un Dios.

La muerte de Ofelia

Al final de la historia se encuentra Ofelia con su hermano en brazos, el que se rehusa entregarle al Fauno para sacrificarle como parte de su tercera y última prueba. En ese momento el Capitán Vidal, inestable físicamente por encontrarse intoxicado, le dispara a Ofelia. Ofelia cae al suelo y derrama gotas de su sangre sobre la fuente del Fauno. Ha derramado sangre inocente, cumplió sus pruebas y esta lista para regresar a su reino, en donde es princesa.

¿Pero muere realmente Ofelia por el disparo del capitán?¿ Acaso no acababa de cumplir sus tres pruebas y estaba lista para volver a su reino?. Ya que las situaciones fantásticas de Ofelia se refieren a lo que percibe, a lo que asocia y cree de la realidad, su muerte puede significar más que un hecho físico, su muerte psicológica, entiende que ha cumplido y esta lista para partir. Esto podría justificar que una vez que se le muestra llegando a su reino y siendo recibida como princesa, se enfoca su cuerpo tendido sobre la tierra, abre los ojos y esboza una sonrisa para cerrar los ojos para siempre.

Pienso sin embargo que es imposible determinar si la muerte se debió realmente a una causa física o a una muerte psicológica, así como no se puede determinar si se intento mostrar la mandrágora, la tiza mágica o el Fauno como un hecho real, pues no hay una intención explicativa, sino más bien se busca que el espectador lo entienda tal y como percibe su propia realidad, y de esta manera está en él tomarlo como fantasía o realidad. Esta intención reflexiva la obtenemos en la frase final de la película que pone fin a la historia: " Y se dice que la princesa bajó al reino de su padre, y que ahí reino con justicia y bondad por muchos siglos. Que fue amada por sus subditos y que dejó de tras de sí pequeños pasos de sus huellas por el mundo visibles solo para aquel que sepa donde mirar".

Cinco geniales cortos de Pixar

2008-08-20T00:52:00.018-04:30

De la mano de sus innovadores y esperados largometrajes, Pixar regala al mundo año tras año una muestra de sus mejores habilidades en el arte de la animación a través de curiosos cortometrajes cargados de sus recurrentes elementos: expresividad emotiva, crítica y reflejo social, y un humor fino y profesional.
A continuación cinco de los mejores cortometrajes de Pixar, con una breve explicación de contenido. Se cargan bastante rápido, que los disfruten!.

Boundin' (2003)
Un corto musical compuesto por un conjunto de rimas sencillas y geniales, armonizado por ritmos y acentos típicos del sur de los Estados Unidos. El Jackalope, críatura fantástica representada en las leyendas como una mezcla entre un conejo y un antelope -- especie de ciervo americano, enseña a la oveja la búsqueda de la belleza interna y el autoestima como un camino a la felicidad.

For the Birds (2000)
Ganador del oscar como mejor corto animado en el 2000 cuenta la historia del rechazo de un conjunto de pájaros -todos iguales como estereotipo de la sociedad-- a otro pájaro diferente al resto, en el intento de este de congeniar. El resultado de esta actitud exclusiva y arrogante repesentada de una forma genial...

Geri's Game (1997)
También ganador del Oscar como mejor corto animado, entre otros muchos premios de gran reconocimiento, corresponde a la primera producción de Pixar en la que un ser humano es el personaje principal y fue publicada justo después de Toy Story (1997).
Una representación conmovedora del sentido de la felicidad en la "lucha" de Geri con su alter ego, consciente claro esta, en una puesta en pantalla interesante en la que destaca la gran calidad en la expresión facial de los sentimientos.
El personaje fue utilizado seguidamente en Toy Story 2 (1999) como reparador profesional de juguetes de colección.

One Man Band (2005)
El corto fue publicado junto al largometraje Cars en otra entrega netamente musical, en un despliegue de sincronización sonido-animación muy bien logrado. El picante sentido humorístico de siempre no podía faltar.

Jack-Jack Attack (2005)

Publicado en 2005 junto al largometraje The Incredibles es más bien una extensión de la película, mostrando en pantalla los sucesos ocurridos en la casa de los Parr mientras el bebé, Jack-Jack, es cuidado por la niñera. En el largometraje se referencia la escena a través de los mensajes que la niñera deja a Elastigirl, en el corto entramos directamente en la acción.
Muy divertido.

Wall E : Madera de clásico

2008-08-13T17:39:00.012-04:30

No en vano se habla de Pixar como el estudio de animación con el toque del rey Midas: idea que desarrollan, idea que convierten en oro, y Wall E (2008) no fue la excepción. Los numerosos trailers publicados antes del estreno no transmitieron, a mi parecer, ninguna clase de motivación particular por la película y llegaron a sembrar la incertidumbre de que Pixar podría haber fallado esta vez. Pero esta opacidad de los trailers quedó totalmente justificada al presentarse un largometraje animado de condiciones únicas: secuencias animadas con una calidad de vanguardia, una expresividad impactante y una serie de mensajes revestidos de una crítica arrolladora pero en busca de la reflexión, todo un clásico.

Existen tres elementos fundamentales en Wall E que sitúan a este film en un marco de innovación comunicativa: La comunicación limitada a las expresiones, una violenta crítica a la despreocupación del hombre, y la diferenciación del ser humano en dos épocas distintas en la caracterización de Wall E y Eva (que originalmente recibe el nombre de Eve por Extraterrestrial Vegetation Evaluator).

Una apuesta arriesgada

Los estudiosos del lenguaje aseguran que tan solo el 10% de la comunicación corresponde a las palabras que se utilizan. Y en esto se basó con fuerza Pixar para contrarrestar a los numerosos productores y críticos que dictaminaron el fracaso inminente de un film en el que los personajes principales pronuncian poco menos de cinco palabras diferentes.
La expresividad de Wall E y Eva es simplemente impactante y conmovedora, centrada en un magnífico manejo del ojos y los brazos.
En Wall E se presenta su timidez e inseguridad en el movimiento inquieto y torpe de sus manos y se enmarca la genialidad del personaje en dos ojos redondos y siempre abiertos que reflejan una inocencia tal que lo dotan de un alma propia, entrando en conexión inmediata con el espectador. Eva es un robot que tiene como rostro una pantalla que se refresca en cada una de sus expresiones, representadas por dos ojos de color plano bajo un estilo de caracterización japonés, que pese a su sencillez la revisten de una personalidad única.

Esta apuesta por una mezcla de comunicación meramente expresiva en los héroes y principalmente verbal en el resto de los personajes, que fue posible unicamente a través de un despliegue fenomenal de elementos de animación, permite a Pixar seguir siendo pionero en el campo del CGI -- computer generated imagery--.

Crítica rotunda ante una realidad inminente

La historia de amor entre Eva y Wall E queda como un elemento suplementario y a la vez contributivo ante la intención del film de transmitir crudamente la realidad de la despreocupación del hombre por su entorno, enmarcada en una sociedad obesa, genérica e individualista que pierden la capacidad de actuar sin la asistencia de máquinas, constituyéndose como una fuerte crítica a la sociedad estadounidense.
Los seres humanos han pasado mas de setecientos años viviendo en el axioma en un estado de comodidad absoluta, son tratados de manera genérica por lo cual todos consumen las mismas bebidas, se visten de la misma forma y se desplazan en los mismos aparatos. Han creado un mundo en el que las máquinas los mantienen eternamente mientras el planeta tierra ha quedado sin rastros de vida natural por consecuencia de la misma irresponsabilidad. Un reflejo de un futuro que parece inminente mientras se siga despreciando a la naturaleza en virtud de la comodidad y el avance tecnológico, representado en un modelo arquetípico de la sociedad americana: irresponsable, consumista y obesa.

A la par de esto se presenta al gobierno, claramente americano, incapaz de controlar la situación ni de asincerarse con su pueblo, al que envía al espacio como medida temporal y obliga luego a alejarse de la tierra, por una devastación que parece ser consecuencia de ellos mismos. Tal vez la única escena criticable de la película es la puesta en escena de una persona real y no animada, el presidente, que parece cortar con el hilo de la trama por resultar tal vez un poco chocante. Sin embargo considero que esta es la manera del director de reflejar que nos enfrentamos a un problema real, un problema de carne y hueso, y no un problema fictio ni animado.

Volvamos a ser humanos

Los seres humanos en el axioma han perdido relación con los elementos que los hacen humanos, desapareciendo las relaciones sociales, el sentido de colaboración y principalmente el amor. Y es exactamente esto lo que descubre Wall E en videos de musicales de los años sesenta, la armonía de los seres humanos a través de sus sentimientos. Wall E entiende el hecho de agarrarse de manos como amor, y es capaz de perseguir a Eva hasta el espacio para demostrárselo. Wall E aprende la inocencia y el amor plano y sincero viendo videos de lo que una vez fue la raza humana y que para ese momento no lo es ya. Un primer aviso, pero definitivo, de lo que puede resultar la humanidad a través de la pérdidad acelerada de los valores, un hecho patente en la sociedad actual.

Al final la película deja espacio para la esperanza y la rectificación. El capitán del axioma impresionado por las imágenes de lo que una vez fue la tierra e indignado por su estado actual decide vencer al control de las máquinas y devolver al planeta su estado natural. El axioma regresa al planeta y la raza humana comienza la rehabilitación de la tierra, haciendo énfasis en la colaboración entre las personas, incluso ayudadas por las máquinas, y en la educación de los jóvenes en los valores fundamentales de la vida. Al mismo tiempo Wall E y Eva logran expresarse su amor, se unen dos realidades que pese a ser tan divergentes son capaces de coexistir: el avance tecnológico y el sentido humano.

Y para cerrar con broche de oro están los créditos de la película, representando el avance de los seres humanos desde la vuelta a la tierra a través de las diferentes culturas de la historia, un toque de las más pura creatividad de estos amos de la animación.

El Naúfrago: Ilusión y realidad, un enfoque de la vida

2008-08-08T13:05:00.012-04:30

El cine del siglo XXI inauguró con una película cargada emocionalmente y revestida de un humor oscuro y afilado, cuando Tom Hanks interpretó de manera excepcional al empresario de Fedex Chuck Noland que recala en una isla solitaria luego de ser el único sobreviviente de un accidente aéreo en El Naúfrago (2000) --Cast Away--. Pero más alla de las divertidas ocurrencias de Chuck en su intento de sobrevivir y de su humorístico mal humor, se presenta el reflejo de una realidad intrínseca del ser humano: el caracter eminetemente social o lo que es lo mismo la necesidad de los otros, enmarcado en un interesante debate entre la realidad y la ilusión, enfocándose en el mensaje de la esperanza a través de la virtud de la voluntad.

Al llegar a la isla Chuck subsiste como si de un turista se tratase, buscando los medios directos y mas sencillos de supervivencia, como aquel que está de paso. Al cabo de cierto tiempo entiende que se encuentra relegado al olvido, que su vida pasa a estar completamente en sus manos. Y es en ese momento en que surge Wilson. Wilson, como concepto, es la representación del deseo de interacción, de la necesidad de comunicación del hombre que comprende la soledad como la mas terrible prisión, una prisión psicológica. La soledad del hombre como especie --que se considera como la base de la existencia de las religiones-- unida al sentimiento del aislamiento de la sociedad resulta una presión devastadora en la mente humana, tal como lo reflejan las reflexiones de Chuck en la isla.
A la par de la necesidad social se presenta el concepto de la ilusión como el elemento que termina de dar consistencia a la existencia humana. Chuck vive de la ilusión de volver a ver Kelly, y es un retrato de ella lo que mantiene con vida su voluntad de sobrevivir.
Se presenta entonces la estabilidad del hombre como ser vivo en la armonía y coexistencia de dos elementos fundamentales: la relación social y la ilusión por la vida.
Chuck llega a perder la ilusión y se resigna al suicidio, aunque fortuitamente falla en sus intentos, presentándose una interesante relación destino-suerte que destacaré mas adelante.

Luego de entender que la ilusión de la vida fundamenta su existir, Chuck construye una balsa para escapar de la isla, que en vez de representar una verdadera intención de llegar a tierra, consiste en la idea de luchar por la vida, se resigna a su muerte de la mano de la esperanza.
En alta mar ocurren un par de escenas que considero que comprenden la idea principal de la película:
1) Wilson cae al mar y es arrastrado por la corriente, en una escena en donde destaca el dolor de Chuck y la desesperación al ver que su único amigo, la representación de su entorno social, va a desaparecer para siempre. Chuck no está loco al sufrir por la perdida de una pelota, pues ese pedazo de plastico represento su apego a la realidad, un mundo imaginario que fue tan real como curativo.

2) Eventualmente un buque pasa al lado de Chuck que en su desconcierto y somnolencia no lo nota. En ese momento una ballena lo despierta haciendo caer agua sobre él y permite que se salve. Aunque algunas críticas destruyeron esta escena acusando al director de un Deus ex machina o recurso debajo de la manga, esto realmente no representa un evento real sino mas bien una metáfora que busca comunicar la idea de que el destino y la suerte son consecuencia de la voluntad del esfuerzo y del apego a la esperanza. Henry Ford, fundador de la compañia automotriz Ford, destacaba este enfoque de la vida cuando decía: "...para llegar al éxito se requiere de mucha suerte, pero curiosamente mientras mas trabajo mas suerte tengo."

Chuck logra salvarse y volver a tierra, y es ahí cuando se presenta el funesto choque entre la realidad y la ilusión. Kelly está casada, toda su vida ha cambiado. La ilusión de Chuck de volver a su mundo real choca con el panorama de la realidad explícita. La fuerza y la voluntad le permitieron salvarse, pero la ilusión de una persona no puede revasar los límites de la realidad de otra.
Sin embargo Chuck encuentra al final una ruta para formar una nueva vida, una gran luz al final de un túnel construido por la misma esperanza y voluntad que lo salvaron del aislamiento, la fuerza de la autosuperación.
De esta forma, se presenta un enfoque de la vida hómologo al presentado en Bruce Almighty(2003) del que tomaré la frase que enmcarca dicho enfoque: "...se tú el milagro"

Nueva sección de encuestas

2008-08-06T00:13:00.006-04:30

Con motivo de conocer más del gusto de los lectores se ha abierto una nueva aplicación de encuestas en la columna del blog que encuentran a su mano derecha. Cada semana se publicará una nueva encuesta acerca de películas, enfocadas en los roles de interpretación, temática, dirección, despliegue gráfico o cualquier otro elemento cinematográfico. Al darse por terminada la encuesta se publicará un artículo en referencia a los tópicos encuestados, haciendo énfasis en la elección realizada por los usuarios.

Los invito a participar en la primera de estas encuestas que inaugura el mes de Agosto. Se trata del gigante de la animación Pixar que en cada una de sus entregas nos regala films cargados de temáticas y técnicas de animación innovadoras. Pese a lo complicado de escoger algun largometraje de Pixar sobre otro, se invita a elegir el que consideres mejor logrado, es decir aquel que compenetre mejor los elementos de animación, temática y trama de forma integral.

Que lo disfruten!

Más allá de los sueños. Segunda Parte: El infierno

2008-08-04T17:35:00.012-04:30

A través del suicidio de Annie se presenta la conceptualización del infierno como el oscuro mundo de la conciencia del ser humano, aquel espacio indefinido e impreciso en donde reinan los mayores temores y el sentimiento de culpabilidad por lo hecho o lo dejado de hacer.
Annie, como suicida, recala en el infierno al morir, se encuentra destinada a luchar con sus demonios internos eternamente, pero más que estar destinada por alguna fuerza externa todopoderosa como un fatum o destino incambiable, se encuentra aprisionada por su propio desconcierto, es un ser que no termina de aceptar su partida del mundo terrenal y que vive encerrada en su propia tragedia psicológica, la misma que la ha llevado al suicidio.

Se presenta entonces un infierno como doble complementario del paraíso. Ambos se constituyen como un reflejo de la mente y del alma, pero mientras que uno se manifiesta como la vivificación de los deseos y de los sueños, la liberación del pensamiento, el otro se hace presente como un laberinto sin sálida de autotorturas psicológicas. Se presentan como la antagonía entre la liberación y la prisión del pensamiento.

Chris, consternado por la idea de que Annie resida eternamente en el infierno, decide ir en su búsqueda y rescatárla. Decide entonces afrontar su infierno; decide internarse en su propio oscuro mundo de dudas y temores, presentado brillantemente por el director en una secuencia de acciones en donde intercala escenas de su recorrido por el infierno, con escenas de su vida terrenal, que representan, unidas, la lucha del ser y su mente.
Al final de su recorrido encuentra a Annie, y es en ese punto en que el infierno personal alcanza los límites del autocontrol, cuando se topa con el infierno de otro ser, el de Annie.
El guía le indica a Chris que tiene tres minutos para hablar con ella antes de perder la cordura. Se presenta a Annie en el interior de su casa pero en un ambiente sórdido y decadente, ensimismada en sus ideas y ausente de la realidad, no es capáz de reconocer a nadie, porque en un principio no es capaz de reconocerse a sí misma.

En una escena profundamente sentimental e impactante Chris intenta que Annie lo reconozca y así mismo que se libere de su telaraña de torturas mentales, en donde se presenta la lucha de Chris con su sentimiento de culpabilidad por el suicidio de su esposa enfrentado a la lucha interna de Annie con sus demonios. Juntos luchan por la liberación individual de su alma.
Chris entiende que no puede sacar a Annie de su prisión y decide ceder ante la locura y entregarse junto a ella al infierno.

En la escena siguiente se encuentran ambos en el paraíso, en un entorno conformado por los deseos comúnes de estas almas gemelas. Chris se abandonó a la locura, renunciándo al paraíso o a la serenidad de su mente por Annie, y de esta forma Annie pudo ver más alla del encierro de sus ideas, entendiendo el perdón de Chris, siendo capaz entonces de liberar su pensamiento y perdonarse a sí misma. Es por esto que, liberados de la tortura de sus temores, pueden ambos recalar finalmente en el paraíso.

Sinopsis: The Nightmare Before Christmas (1993)

2008-07-30T03:59:00.011-04:30

Como una estocada brillante al cine del siglo XX y armonizado por una apuesta única y genialmente desarrollada del parádigma de animación cuadro a cuadro, se presenta este film sencillamente como una obra maestra del consagrado Tim Burton, que mezcla en un trama divertida y dinamica, un humor oscuro pero estilizado con un interesante mensaje acerca del descubrimiento interno de la persona y una elegante crítica a la sociedad Estadounidense.
Los puntos de inflexión del desarrollo de la historia son presentados a través piezas musicales verdaderamente originales y finamente definidas, compuestas por el maestro Danny Elfman, que llenan de vida la trama y permiten concretar el mensaje.

Para aquellos que no han visto la película recomiendo continuar la lectura del artículo, puesto que, aunque los elementos principales de la trama son expuestos de manera concreta, el verdadero disfrute de este film está en percibir el conjunto total de elementos al momento de verla.

El relato comienza en Halloweentown, una comunidad dedicada a desarrollar año tras año las mas variadas formas de susto, conformada por un conjunto de seres sacados de una fusión entre los monstruos mas arquetípicos de la literatura universal y el imaginario de Burton, y se centra en el personaje ilustre y modelo de la ciudad Jack Skellington, "The Pumpking King".
Jack se presenta en un debate interno entre el éxito de su posición dentro del pueblo y la rutina del trabajo, que lo ha ido desilusionando hasta el punto de autocuestionar su labor. Andando por los terroríficos, pero genialmente confeccionados, escenarios de su mundo se topa con varias puertas, pintadas con figuras alusivas a cada una de las festividades Americanas y termina entrando en la puerta de la navidad, llegando al mundo de "Christmas Town".Impresionado por un ambiente rebosante de color, alegría y paz, Jack retoma la ilusión de un nuevo reto y planea reformar la labor del pueblo de Halloween para satisfacer al mundo de la navidad, encarnándo él al mismo "Sandy Claus". Inspirado por la ilusión de un cambio a la rutina retorna a "Halloween Town" para proponer la nueva idea a sus habitantes, que, acostumbrados a las más terribles prácticas del terror, interpretan el mundo de la navidad de su forma particular.
Jack se centra en estudiar los detalles de la navidad, hace raptar a "Sandy Claus", manda a maquinar sus particulares renos y prepara su atuendo, mientras el pueblo elabora los retorcidos y nunca menos espantosos juguetes de navidad.
A la par de la trama se desarrolla la historia de amor entre Sally y Jack. Sally, constantemente aprisionada por su creador, el Dr.Finkelstein --personaje genial, que hace una alusión irónica y sutilmente esterotipada del Dr.Frankestein--, parece ser la única en el pueblo que entiende que Jack se dirige a una desgracia, idea que reafirma en una visión, y hace lo posible por evitar la cristalización de sus intenciones.

Fracasando estrepitósamente en su cometido, Jack debate sus ideas una vez más, y comprende su importancia en el mundo de Halloween y la necesidad de que sea él, el mas excelso atemorizador, el que devuelva su mundo a realizar el trabajo que mejor saben hacer, entendiendo a su vez que solo "Sandy Claus" puede hacer lo mismo para "Christmas Town".
De esta forma Jack se encuentra a sí mismo, a través de la falla y la rectificación termina de entenderse de una forma integral, y ratifica la importancia y la insustituibilidad del esfuerzo de su labor para su mundo.

El film continúa hasta un esperado pero no menos entretenido desenlace en el que Jack lucha por salvar a "Sandy Claus", ahora en las manos del infaltable villano Oogie Boggie, cerrando con broche de oro una increible y única muestra de exitosa integración de animación, sonido, contenido y humor, en una obra que sólo Tim Burton es capaz de imaginar.

La película estuvo en producción por más de diez años,--contando desde la creación de la idea--, desarrollada a través de una animación cuadro por cuadro, es decir un conjunto gigantesco de fotos de escenarios físicos tomadas una a una y colocadas secuencialmente para dar el efecto animado. Burton se encargó de escribir y producir, mientras que la dirección estuvo en manos de Henry Selick, y requirió de la creación de toda una empresa, Skellington Studios, para su desarrollo, contando con numeros artistas, dibujantes y expertos en animación. Los personajes fueron creados como muñecos conformados por una esqueleto metálico y recubiertos por espúma de latex, y requirió de la creación de decénas de modelos por personajes, en especial de sus expresiones faciales.
Al final, una larga pero muy exitosa carrera para el desarrollo de esta obra de arte. No dejen de verla.

Más allá de los sueños. Primera Parte: El paraíso

2008-07-27T04:05:00.025-04:30

En el año de 1998 el mundo recibió a una de las obras maestras del cine. Con un mensaje arrollador e ilusionante acerca de la percepción de la vida y el sentido del paraíso y el infierno para el hombre, bajo una dirección artística simplemente perfecta, en un tenso hilo emocional y meláncolico, y de la mano de una interpretación inspiradora de Robin Williams llega este film con el título de What dreams may come, nunca mejor traducido como Más allá de los sueños.

Daré un paseo por los puntos principales de la trama de la película, haciendo énfasis en los diversos elementos psicológicos, metáforicos y cinematográficos.Para aquellos que no han visto la película es importante aclarar que el artículo contiene bastantes "spoilers", pues se trata de análisis de contenido de la mano de la trama.

En esta primera parte se analizan los aspectos relativos a la estructura del hilo principal de la trama y fundamentalmente a la conceptualización del paraíso. El enfoque del infierno decidí presentarlo en otro artículo, la segunda parte, por tratarse de un concepto elaborado que haría tediosa la lectura de presentarse en la actual publicación.

Bosquejando la trama

Se cuenta la historia de Chris --Robin Williams-- y Annie --Annabella Sciorra--, que luego de conocerse de manera fortuita mientras están de vacaciones-- presentado más adelante como una confabulación de los hilos del destino-- no tardan en conformar una familia estructuralmente funcional y carente de problemáticas, más allá de las comúnes en una familia moderna. Eventualmente sus hijos, Marie e Ian, fallecen en un accidente de tránsito, y cuatro años mas tarde lo hace Chris, de la misma forma.

Posterior al accidente que causa su muerte se presenta el proceso de Chris en comprender su estado y condición actual, presentándose en un impreciso estado espiritual. Inicialmente se personifíca en su casa en el momento en que se lleva a cabo el velorio de su muerte, momento en que aparece Albert Lewis --Cuba Gooding Jr.-- como una especie de ente omnipresente, que es el único capaz de comunicarse con él y que entiende lo que sucede.
Albert, amigo de Chris de toda la vida y fallecido años antes, le explica que acaba de morir, que las personas que observan están en su velorio y que solo puede diferenciar a los que realmente desea ver.
A partir de aquí comienzan a sucederse un conjunto de escenas en las que Chris recuerda los momentos puntuales y especiales con sus hijos a medida que recorre la casa. Estos eventos reflejan el tipo de relación padre-hijo que sostenían y así mismo permite intuir algunos de las características fundamentales del comportamiento y de la psicología de los personajes en cuestión. Ian se presenta como un adolescente dedicado al deporte y deficiente en los estudios, aunque sincero de corazón y leal de actitud, que es presionado por su padre para triunfar en los estudios. Marie, mucho mas joven que Ian, es un niña ensimismada pero cariñosa, que esconde una mentalidad soñadora aprisionada tras una fachada sobria y pesimistamente realista.

Seguidamente Chris se centra en la realidad cruda y pisocologicamente destructiva que vive Annie. La observa sufrir el comienzo de su declive emocional y la persigue, intentando comunicarse con ella, hasta que entiende que su presencia de alguna forma la perturba, decidiéndose a abandonar el mundo real.

El paraíso

Aparece repentinamente Chris en un mundo rebozante de un colorido espléndido y armonioso, que ilustra el ambiente y el espíritu del estilo pictórico de Annie, en una primera muestra de una espectacular dirección artística, que cohesiona de una manera sorprendente una moderna edición digital y una fotografía de gran calidad.
Chris se da cuenta que todo a su alrededor esta consituido por pintura acrílica. Se encuentra en un mundo creado por él, la unión perfecta de los deseos de su alma con las formas reales que conoce, un mundo sacado de un cuadro de Annie.

A medida que descubre su mundo, Albert le van enseñando la limitación de sus capacidades en ese paraíso creado por él, su cielo, y se presenta la primera reflexión acerca de la constitución del ser y de la persona: ¿Quién eres tú?, ¿Qué eres tú?, pregunta Albert a Chris, mientras camina sobre el agua. Chris se define así mismo como su cerebro, como su mente, quien controla sus deseos y sus acciones más alla de su cuerpo. Seguidamente Albert le muestra, a través de un hueco en una pared, el mundo ideal de Chris, otro cuadro de Annie pero en donde todas las formas son reales. Le muestra que lo único verdaderamente real es el pensamiento, y que su propia voluntad, la voluntad intrínseca del alma, es lo que lo constituye. "Lo físico es la ilusión"

Albert le enseña que en su mundo no existen límites más alla de aquellos de los que pueda convencerse, mientras se mantenga apartado de la ilusión. Los ataques de ilusión no tardan en llegar y Chris imagina en múltiples ocasiones a Annie a lo lejos, invitándolo a su encuentro, pero siendo incapaz de encontrarla.
En este momento surge uno de los elementos principales que sustentan el sentido de la trama: Aparece repentinamente en el paisaje una jacaranda -- tipo de árbol reconocido como el árbol de las flores azules --.Chris reconoce que el árbol no estaba pintado antes de su muerte-- en el cuadro de Annie que ahora ilustra su mundo --, y comprende la posibilidad de que estuviera siendo pintado en ese momento, Annie se comunica con él a través de la pintura, presentándose el concepto de almas gemelas, almas destinadas a entretejer sus caminos eternamente.

Seguidamente, luego de algunos cambios de escena, aparece Leona, una mujer de facciones y vestimenta asiática que se presenta como su nueva guía. Leona encuentra a Chris en el armonioso pero solitario entorno que impregna su mundo y lo invita a conocer el de ella: personas de diversas razas y etnias gravitan en las entradas de una majestuosa ciudad, adornadas con prendas de un curioso estilo circense, e impregnando el ambiente de un estado de armonía y felicidad. Chris comienza a recordar a su hija. Se muestra a Marie como una soñadora, deseosa de que la muerte recibiera a las personas en un ambiente tranquilo y eternamente agradable, chocando en todo momento con el muro de realidad que levanta su padre al enfatizarle que los sueños no son reales.
El mundo de Leona es una extrapolación perfecta de un móvil que Marie tenía en su vida terrenal, que estaba conformado por figuras bidimensionales de personas de todo tipo, de un mundo irreal pero ilusionante. Chris comienza a darse cuenta de que se encuentra en el mundo de su hija, y seguidamente Leona se revela como Marie, cambia su forma física volviendo a sus facciones infantiles, y entabla un dialogo con su padre, emocionalmente cargado, en el que le expresa su deseo eterno de ser una persona agradable y carismática, alguien que pudiera agradarle a él, su padre.

Se presenta entonces el paraíso como un mundo conformado por las deseos más profundos y las estructuras y formas preferidas de quién lo pinta, donde el pensamiento, conformador del ser y constituyente del alma, revasa los límites de lo humanamente capaz y se detiene en lo conscientemente posible. Un mundo en donde, sin embargo, no tiene cabida la ilusión, es tan real como lo creíble pero limitado a lo posible.

A lo largo de este tramo de la historia Chris va transitando por los aspectos inconclusos de su vida, haciendo real sus deseos de encontrarse con su hija, y recordar a su esposa, trazando pinceladas de su mundo a su paso y conociéndo que la realidad de ese paraíso esta reservada a cada alma que lo habita.
A partir de este momento la trama sufre un vuelco radical, Anne se suicida y va al infierno. La conceptualización del infierno esta revestida de elementos metafóricos y asociaciones piscológicas profundas, enfatizando la lucha interior y el ofuscamiento de la realidad por parte de la persona. Este análisis será presentado en un artículo posterior, donde además se presenta la relación entre los diversos elementos que se enlazan para dar sentido al desenlace de la trama.

Sinopsis: The Shawshank Redemption(1994)

2008-07-23T17:37:00.011-04:30

Revestida de una de las mejores interpretaciones en la pantalla grande de los consagrados Tim Robbins y Morgan Freeman llega esta espléndido film que plantea un debate entre la libertad física y psicológica del hombre, donde los sueños, la esperanza y el mas puro deseo de autosuperación se ven las caras con la cruda realidad del aislamiento social.
Bajo una trama intrigante y sutilmente enlazada por el director Frank Darabont --The green Mile(1999) --, nos cuenta la historia de Andy Dufresne, un exitoso banquero que es encerrado en la prisión de máxima seguridad Shawshank luego de asesinar a su esposa y amante, cambiando su vida de golpe. Al poco tiempo de llegado, Dufresne -- se lee "dufrein" --, empieza a establecer contacto con los demás prisioneros, en especial con Red: un viejo reo acusado por homicidio que se encarga de conseguir cigarrillos, alcohol, golosinas y toda clase de insumos del exterior de la carcel, en el que se muestra el mundo del mercado negro y soborno carcelero.

Destacándose intelectualmente por encima de sus compañeros de prisión y haciendo uso de su experiencia como banquero Dufresne convence al director para llevar como contador sus registros financieros y los de la cárcel, y al poco tiempo se le es permitido administrar la biblioteca y dictar clases a los reclusos.

A lo largo de la trama se presenta la brutalidad del director y los alguaciles de la prisión que violentamente reprimen y cohartan las libertades de los presos -las pocas que les quedan-, enfatizando el clima sombrío y tenso que recubre el recinto, que mantiene al espectador atento y espectante.
En este marco de represión y aislamiento, la historia contrasta la cruda realidad de la destrucción psicológica del hombre con la fuerza inspirada por la esperanza y el deseo de libertad, así como el poder de la razón y la amistad en una atmósfera social en donde todos son depredadores.

La película culmina de manera brillante en un desenlace elegante e inesperado, en el que se nos induce un enfoque positivo de la vida, y donde todos los cabos sueltos se enlazan a la perfección.
Contó con siete nominaciones al oscar, incluyendo mejor película, mejor Actor y mejor edición, en una difícil competencia con Forrest Gump, y estuvo basada en la novela de Stephen King "Rita Hayworth and the Shawshank Redemption".
Definitivamente una película que hay que ver antes de morir.

Los diez actores con mayor proyección original: Primera Parte

2008-07-22T14:36:00.012-04:30

Me costo bastante encontrar título para este artículo, pero en resumén trata de un breve repaso por las características y roles de interpretación de los diez actores con mayor proyección en la actualidad, que garantizan, en cada película que desarrollan, un toque de innovación y calidad.
Espero no decepcionar a los amantes del cine internacional, pero me voy a centrar en actores y actrices del cine Americano, aunque con seguridad Alemania, España, Francia y sobretodo India tiene mucho que ofrecer.

Joaquín Phoenix

Sin duda una de las perlas de la actuación en la actualidad. Nacido en San Juan de Puerto Rico, hijo de dos americanos misioneros en latinoamérica, Joaquín comezó a los seis años de edad sus andanzas en el "show bussiness", a raíz de su mudanza a Los Angeles.

Luego de una importante aparición en 8mm (1999), film insigne de Nicolas Cage y The Yard (2000) en el que compartió escenario con Mark Wahlberg y Charlize Theron, también en auge, Phoenix interpretó el papel del emperador Commmodus en Gladiator(2000), desarrollando un papel muy dinámico, en el que transmitió de manera brillante los cambios de ánimo y el terrible temperamento de este emperador Romano al que todos llegamos a odiar y admirar a la vez, en este film. Seguidamente participó en Signs(2002) y The Village(2004), ambos dirigidas por M.Night Shyamalan, en el que pasó a interpretar roles de mayor intensidad emocional, y que le permitió irse perfilando como un actor de reparto de peso.
Este mismo año participó en Rwanda Hotel y Ladder 49, y pese a no desarrollar un papel demasiado inspirador lo prepararon para su mayor éxito. Llega el 2005 y con el Walk The Line. Phoenix interpreta al legendario cantante de música country Jhonny Cash. Para todos aquellos que no nos desarrollamos bajo la cultura Americana, el nombre de Jhonny Cash, puede pasar por debajo de la mesa, sin embargo representa a uno de los cantautores mas influyentes del siglo pasado, que contribuyó a crear el Rock como lo conocemos hoy en día. De una forma u otra, Phoenix introduce al espectador durante dos horas, en el personaje de una manera impactante, haciendo sentir en carne viva sus vaivenes emocionales , armonizado por una perfecta empatía con su co-protagonista Reese Whiterspoon.
En conclusión un actor que a sus treinta y cuatro años se ha consagrado como un versatil y carismático interpretador, llamado a ser uno de los grandes de Hollywood.

Como dato extra tenemos que a sus diez años decidió cambiar su nombre a Leaf Phoenix, inspirado en los curiosos nombres de sus hermanos: Rain, Summer y Liberty, pero poco tiempo después decidió volver a su nombre original.

Jhonny Depp

Rebelde, impredecible, histriónico y genial, tenemos a uno de los actores más versátiles de Hollywood, que ha interpretado toda clase de papeles desde estrella adolescente a maniático, pasando por pensador recatado, escritor excentrico y pirata ebrio.
Nacido en Kentucky y criado en Florida tuvo en todo momento un único objetivo: el éxito. En su adolescencia formó una banda de rock, y estuvo dedicado completamente a la música hasta que su esposa le presentase al, ya consagrado, actor Nicolas Cage. Cage le recomendó audicionar para varios largometrajes y obtuvo su primer papel en el clásico del cine de terror A Nightmare on Elm Street(1984) -- Freddy Krueger--. Tres años mas tarde participó en el, también clásico, de Oliver Stone Platoon. Luego de un exitoso pasaje por la televisión Jhonny vuelve al cine con Edward Scissorhands(1990), una film impactante del genial Tim Burton, cargado de una profunda crítica social y de un humor oscuro e irónico, en el que Depp interpreta a Edward, un joven cuyas manos están compuestas de grandes tijeras que es adoptado por una familia convencional americana, fuertemente estereotipada.

En la década de los noventa su actuación estuvo marcada por la incertidumbre, en la que interpretó papeles divergentes y un poco grises, en películas como Ed Wood(1994), Don juan de Marco(1995) y Sleepy Hollow(1999), todas fracaso de taquilla, pero también participo en grandes éxitos como Benny & Joon(1993), Dead Man(1995) y sobretodo Donnie Brasco(1997), en la que compartió el set con Al Pacino.

Pero llega el momento de la cristalización de un gran prospecto, su versatilidad se hace más espigada y genial, y se consolida como uno de los grandes actores de la actualidad. Primero participa en Chocolat(2000) junto a Juliette Binoche y Alfred Molina,en un relato original, ambientada en un pueblo Francés a mediados del siglo XX, rica en calidad interpretativa y amenizada con un profundo e interesante mensaje contra el arraigo de las costumbres anticuadas.
Seguidamente participa en Secret Window(2004), que pasó practicamente por debajo de la mesa , y luego vuelve a impresionar en Finding Neverland(2004). En esta última, interpreta el papel del escritor Inglés James Barrie, el creador de Peter Pan. En un film cargado de emociones, con un profundo impacto sentimental, Depp presenta el idilio de este escritor entre las costumbres establecidas en la alta sociedad y la vida alegre de una familia común, que lo llevan a desarrollar la historia de Peter Pan.

Llega el momento en el que Depp alcanza los límites de la popularidad con uno de los personajes mas alabados del presente siglo, el capitán Jack Sparrow, Pirates of the Caribbean(2006). Depp sacó a relucir sus mejores dotes de actuación e histrionismo, con una interpretación en la que empalmó de manera brillante la malicia de un pirata ebrio y desinteresado con un humor sarcástico pero elegante, toda una joya del cine. Finalmente colaboró en la pelicula animada The Corpse Bride(2005) y seguidamente en Sweeney Todd(2007), ambas dirigidas por su aliado inseparable Tim Burton.

Sinopsis: El conde de Montecristo (2002)

2008-07-20T13:26:00.016-04:30

Bajo una trama trepidante, donde los mas puros sentimientos humanos de venganza desesperación, arrogancia, deseo de autosuperación, interés y amor se ven las caras, llega al cine esta gran adaptación de la novela de Alejandro Dumas. Con la presencia de actores de gran talla como Jim Caviezel --La pasión de Cristo --, Guy Pearce --Memento-- y Richard Harris --Harry Potter--, El Conde de Montecristo ofrece interpretaciones de gran calidad, que pese a conservar un ineludible toque americano, representa con éxito el mundo social de la Europa del siglo XIX.

El film cuenta la historia de Edmond Dantès, un marinero de 19 años de edad que regresa a Marsella en la cúspide de la fortuna: amigo personal de Napoleón -- en el exilio --, promovido de cargo y comprometido con su bella esposa. Su éxito no tarda en inspirar celos en sus mas cercanos, en especial en su primo Fernando Mondego que pacta con el tesorero Danglars para inculpar a Dantès de traición a Napoleón.
Dantès es encontrado culpable y es enviado a la prisión de Château d'If. Luego de varios años de aislamiento y al borde de la resignación deside escapar de la carcel cavando un tunel que lo lleva hasta la celda de Abbé Faria. Faria le enseña todo lo que sabe de Letras, Ciencias y buenas costumbres, y resignado a morir le entrega el mapa de un tesoro en la isla de Montecristo.

Dantès, alimentado por su sed de venganza, regresa a Marsella convertido en el Conde de Montecristo, en busca de recuperar su honor y a su prometida, ahora casada con Mondego.
Y así continua esta historia plagada de tension, emociones y un suspenso aventuresco único.

Sinopsis: El Maquinista (2004)

2008-07-19T16:46:00.012-04:30

Un nuevo toque de innovación al genero del suspenso misterioso que explota los efectos devastadores que el cerebro puede causar al hombre en situaciones extremas. Bajo una trama sencilla pero desconcertadora, y con el aditivo de una excelsa interpretación de Christian Bale, El Maquinista, nos presenta la historia de Trevor Reznik un maquinista industrial que presenta un ataque crónico de insomnia, que lo ha ido desgastando físicamente hasta parecer un esqueleto en vida. En un comienzo Trevor se ve envuelto en un accidente en la fábrica que le cuesta el brazo a uno de sus compañeros de trabajo. En defensa culpa a otro trabajador Iván, del que no existen registros de existencia en la empresa.
A partir de este momento comienza a ocurrir una sucesión de eventos que van desconcertando a Trevor. Van a apareciendo objetos en su casa de los que no tiene conocimiento, entre estos papeles adhesivos que presentan un juego del ahorcado que poco a poco se va solucionando.
El maquinista comienza a sufrir de ataques de paranoia, y llega a dudar de todo cuanto lo rodea, principalmente de Stevie, un prostituta,que es, al parecer, la única persona que le tiene afecto.
El mundo parece estar en su contra, los eventos extraños se intensifican: olvida pagar la electricidad, un líquido espeso brota de su refrigerador, un hedor se apodera de su apartamento llamando la atención de la conserje y un serie de "flashbacks" azotan su mente.
La desesperación de Trevor crece exponencialmente, junto con la tensión del espectador, hasta alcanzar el desenlace.

En definitiva, un suspenso trepidante que va llevando al espectador a un estado de intriga y angustía de la mano de una brillante interpretación, y que se desenlaza en un final totalmente inesperado, que pone la guinda a un largometraje de gran calidad. Un diez (10) para esta entrega de cine independiente.

Filosofía y Fantasía

2008-07-18T03:35:00.009-04:30

Ya sea la adaptación de Disney o el clásico de Lewis Carrol, practicamente no existe persona en el mundo occidental que no haya entrado en el mundo de Alicia en el país de las maravillas. Esta brillante historia que el Literato y además Filósofo,Matemático y Fotógrafo Ingles Lewis Carroll creó practicamente de manera improvisada en un paseo en bote, va mas allá de una sencilla historia infantil, llena de animales diversos y aventuras fantásticas. Mas bien, conglomera una cantidad de elementos simbólicos que entrelazan un relato fundamentado en la reflexión del cambio entre la niñez y la vida adulta, con elementos de crítica social.

Daré un breve paseo por los símbolos e ideas fundamentales de este relato controvertido que estuvo a punto de llevar a la ruina a Walt Disney y que inmortalizó a Charles Dogson --Lewis Carroll--.

La idea principal que atacó Lewis Carrol fue la del tránsito entre la niñez y la vida adulta. Haciendo énfasis en el conjunto de dudas e incertidumbres que esto supone, y así mismo criticando lo complejo y a veces absurdo de la adultez.

Dudas y Decisiones

Alicia va tomando un sin fin de decisiones a lo largo de la historia, cambiando de tamaño, de forma y de ambientes en la que pasa varias veces de la niñez a la adultez, siempre invadida por un mar de dudas y obligada a tomar decisiones.

El cambio constante afecta a Alicia hasta el punto de que en varias situaciones no puede soportar la presión.
En un capítulo se encuentra Alicia en la casa del conejo y luego de probar de una galleta comienza a crecer repentinamente. Crece una o dos veces el tamaño de la casa y queda la casa atrapada en ella. Alicia siente desesperación y angustia por estar atrapada en la casa, que hace alusión al mundo de los adultos.Alicia se siente aprisionada por las paredes de ese mundo ajetreado y lleno de responsabilidades, es por esto que siente una gran liberación al zafarse, reduciendo su tamaño y volviendo a la niñez.

Otra alusión a la dificultad de afrontar ese cambio a la adultez se evidencia en el momento en Alicia crece desmesuradamente de tamaño por primera vez y al no soportar la presión comienza a llorar. De un momento a otro se pierde el efecto de la botella y Alicia pierde tamaño cayendo en su verdadero mar de lágrimas. Según los analistas las lágrimas podrían hacer referencia al líquido amniótico presente en el vientre de las madres en la gestación, y el hecho de caer en el mar representaría la idea Freudiana del deseo constante del hombre de regresar al vientre de la madre --estar protegida de nuevo, lejos del mundo adulto--.

El mundo adulto

El conejo es el arquetipo del adulto. Va impecablemente vestido con un atuendo de la época Victoriana, padeciendo del gran mal de los adultos: la prisa. Le falta el tiempo, siempre esta corriendo, en todo momento necesita llegar a algún lugar y siempre va tarde. Se encuentra en todo momento preocupado y atareado, y no tiene tiempo para los demás.
Por otro lado aparece la oruga, que representa otra clase de adulto: el adulto despreocupado que pasa el día entero perdiendo el tiempo.

Ambos representa dos extremos de la adultez. Alicia, en su trance, no es capaz de congeniar con ninguno de los dos: el conejo está tan atareado que no permite que lo alcancen ni detengan a preguntarle nada, y la oruga por el contrario responde incoherentemente a todas las preguntas, o al menos de una forma que Alicia no es capaz de entender.

De una forma u otra Alicia no termina de comprender el mundo adulto y así mismo no esta consciente de si ya es adulta o no, se desconoce a sí misma y esto la perturba. A través de este elemento, muy recurrente en la obra, Carroll enfatiza el desconcierto e incertidumbre del adolescente en su transición niñez-adultez.

El sentido de la vida

En el castillo de la Reina de Corazones, Alicia es parte de un juego de criquet en el que las reglas son absurdas. Todos los súbditos y así mismo la Reina y el Rey de Corazones son cartas. Se dice que Lewis Carroll intentó representar que en el mundo de los adultos todos son iguales --son cartas --, lo único que los diferencia es un rol -- el valor de la carta --, y todos obedecen reglas pero ninguna tiene sentido. La vida está regida por un conjunto de normas que se aplican de forma arbitraria y no obedecen ningún orden lógico.

La hora del té

Y que mayor crítica a las normas sin sentido que la hora del té. Carroll descarga contra una de las tradiciones mas arraigadas de la cultura inglesa, representando un escenario en donde dos personajes: el sombrerero loco y la liebre de marzo, viven atrapados a las seis de la tarde celebrando interminablemente el mismo ritual. Alicia no es capaz de tener una conversación racional con ellos, que a su vez demuestran estar completamente locos.
Se presenta así una dura crítica a la creación y el cumplimiento de reglas que carecen de sentido común y que además son base de la vida adulta.

Y como estos, podrían desarrollarse miles de elementos simbólicos más de los que ha impregnado
Carroll a esta historia reflexiva y siempre excéntrica, que llego a ser el libro más leído en la historia de Inglaterra.

"The Happening": Conscientizando a su estilo

2008-07-18T01:33:00.005-04:30

Una vez mas aparece M. Night Shyamalan en el mundo del cine, con un film bañado en sus mejores destrezas: un suspenso intermitente, facultado en sobresaltos terroríficos y personajes arquetípicos, que desarrollan una trama fuertemente cargada de elementos metafóricos y sugerentes.

A primera vista se tiene una película muy sencilla y hasta exagerada, que, como ya es costumbre para este director, fue víctima de todas las críticas posibles en Estados Unidos. Y es que la idea de una pareja (El profesor Elliot y Alma Moore), que huye a lo largo de la costa Este mientras las personas se suicidan a su alrededor por acción de algún "mal" desconocido, y sobre el cual se sacan "ene mas un" conjeturas, no parece propio de una historia muy elaborada. Más bien, podría hacer recordar a la más burdas escenas de las películas de muertos vivientes.

Creo, sin embargo, que no se trató de un simple film de acción zombiesca, sino que Shyamalan utilizó sus recursos para contribuir con la tan en boga denuncia y crítica al Calentamiento Global.
Los elementos fundamentales que sustentan esta idea son:

1) A lo largo de la trama se van sugiriendo los razones del "mal" que acecha el país, pasando de un ataque terrorista a una conspiración del gobierno. El profesor Elliot, sin embargo, se convence de la idea de que la naturaleza considera al hombre una amenaza y comienza a eliminarlo como defensa natural para preservarse. El director centra la trama gradualmente en esta idea, la venganza, natural, de la naturaleza, o lo que es lo mismo, los efectos del calentamiento global(C.G.).

2) El ataque va migrando desde las grandes ciudades hasta zonas cada vez menos pobladas y desarrolladas. Esto representaría que el C.G. afectará primero a los países mas industrializados (representados por las grandes ciudades) pero que se irá expandiendo hasta afectar a todos los demás países.

3) Mrs. Jones o la anciana de la cabaña, que asegura no tener nada que ver con el mundo y que el mundo no tiene nada que ver con ella, representa a los países o poblaciones reducidas y aisladas que pese a no contribuir positiva ni negativamente con el problema se verán igualmente afectadas, es un problema de todos. Mrs. Jones muere como todos los demás.

4) Alma Moore. Una mujer que en todo momento parece estar aislada de la situación que los rodea. Esta más preocupada de las consecuencias de una aventura con otro hombre(que no pasó de un postre) y de la reacción de su marido, mientras las personas mueren a su alrededor. Alma Moore es la población ignorante. Las millones de personas que viven su vida sin preocuparse o si quiera enterarse de la gravedad de los problemas que nos aquejan, en este caso el C.G.

5) El científico --visiblemente fanático -- que intenta explicar en el noticiero su idea de un ataque de la naturaleza, representa los convencidos y defensores de la idea del C.G. que defienden sus ideas pero de una manera tan extrema que son tomados como locos.

6) El comentarista del noticiero que se apega a la idea de pensar que lo que ocurrió fue un hecho circunstancial y de que no hay pruebas de que pueda seguir sucediendo, muestra la indiferencia de los grandes responsables del C.G. que no afrontan las consecuencias de sus actos, sino que se escudan en la carencia de una teoría completa, por conveniencia económica. Este es el caso de los países mas industrializados.

7) Finalmente el mismo fenómeno ocurre en Francia. Es un problema de todos.

De esta forma la película pasa a ser más que dos horas de suicidios en masa y persecución de una amenaza intangible, es una una crítica a la postura egoísta y prepotente del ser humano y un llamado a una reflexión inmediata, amenizado con unos buenos sobresaltos, y una que otra tapada de ojos.

Gracias especiales a Manuel Fernández y Roselyn Jiménez por sus ideas.

Análisis, discusión y unas cuantas flechas

2008-07-18T00:54:00.002-04:30

Taraaan. Así se inaugura este blog que estará dedicado a proporcionar puntos de vista, análisis personales, contrastes de artículos y enfoques en general, de largometrajes del cine contemporáneo, de género y estilo aleatorio. Haré énfasis en la clase de películas que al terminar depositan el sentimiento de no haber entendido las metáforas y las ideas ocultas tras una trama sencilla. Lo que me llevará con seguridad a incurrir en películas de poca aceptación popular.

Casi siempre se tratará un enfoque post-video, por lo que puede estar lleno de "spoilers", asi que recomiendo altamente haber visto la película antes de leer el artículo para garantizar su salud mental, y sobretodo la salud física de su inter-escritor.

Se bienvenido entonces a este portalete de ocio cinéfilo. Los comentarios sobre los artículos dan vida al blog!, se agradecen infinitamente críticas, aprobaciones y nuevos enfoques.