Los secretos del Laberinto del Fauno

Inspirada en la misma oscuridad y frialdad de realidades de los clásicos cuentos de hadas de Andersen, Grimm o Perrault se presenta en 2007 una interesante apuesta del director Guillermo del Toro: El Laberinto del Fauno. En el marco de la cruda realidad social de la España de post-guerra, Del Toro nos presenta el delgado hilo entre la ilusión y la realidad, entrelazando dos historias que desarrollan en mundos aprentemente paralelos, que dan vida al debate entre la existencia de las formas y la percepción.

El film pareciera dejar a libre interpretación el mensaje de la película, mutando de forma dependiendo si el espectador considera el mundo de Ofelia físicamente real o psicológicamente creado. Sin embargo creo que Del Toro efectivamente imprimió un mensaje, una idea que más que tratar la existencia física o no de un mundo fantástico, se centra en analizar la raíz verdadera de lo que es real y posible.

Dos enfoques de la realidad

El corte psicológico de Ofelia, referido a su forma de pensar, de imaginar y de ver la vida, difiere en su totalidad al enfoque de las personas que la rodean, que envueltas en una profunda crísis social en donde reina la pobreza, la opresión y el temor, ven la vida como la necesidad de supervivencia ante un ambiente continuamente hostil, donde reina la desesperación y el odio en vez de la paz y el amor. Ofelia, por el contrario, vive de la liberación de su mente y de la curiosidad, enamorada de los cuentos de hadas sueña con un mundo mágico dominado por la felicidad y la armonía. Una contraposición radical al mundo de sufrimiento que la rodea: la ausencia de su padre, el aislamiento de otros niños, la enfermedad de su madre y la rudeza de su padrastro, bajo el ambiente de un país devastado.

A lo largo de la historia Ofelia va siendo partícipe de una serie de eventos fantásticos, desde su encuentro con insectos que se transforman en hadas o con el mismo Fauno, hasta portales creados por una tiza mágica, una llave encontrada en el interior de un sapo gigante o una mandrágora revitalizadora.
Del Toro nos muestra como todos aquellos objetos y creaciones mágicas que son reales para Ofelia no son más que simples objetos a los ojos de los otros personajes, en tres escenas principales:
1) Cuando los criados van a buscarla ven dibujados cuadros de tiza en las paredes que para Ofelia son portales a otros lugares que desparecen al cabo de un tiempo.
2) El capitán Vidal encuentra debajo de la cama de Ofelia un tuberculo en un plato de leche que a los ojos de ella era una mandrágora viva que revitalizaba a su madre.
3) El mismo capitán ve a Ofelia hablar sola, mientras esta conversaba con el Fauno minutos antes de dispararle.

Sobre la existencia

Ante esto se plantea el debate acerca de lo que es verdaderamente real. ¿Es acaso real lo que la mayoría puede ver?. ¿O será mas bien real lo que es palpable? En ese caso tanto el fauno, como la mandrágora, como las hadas y los portales, así como el peligro relacionado a estos es real para Ofelia, pues los percibe y cree en ellos fielmente. Pienso que Del Toro trata de transmitir que existe un delgado hilo entre la realidad y la ilusión, entre lo que se considera físicamente existente y lo que se considera físicamente imposible.
De esta manera se plantea la realidad más allá de una existencia aislada e idempotente -- que es ella en sí misma --, sino que se traslada al plano de una realidad perceptiva conformada por los sentimientos, la asociación de formas y la ilusión. Es decir que la realidad es propia de la percepción consciente e inconsciente de las formas por parte de una persona, y así nada existe de la misma forma para todas las personas, al igual que el color de los objetos existe solo en reflejo de la luz. Un árbol puede significar para alguien una planta que surge de la tierra como para otro un sinónimo de vida o el recuerdo de algun momento especial. De la misma forma que para los citadinos la lluvia es el proceso de condensación y precipitación del agua presente en las nubes como para otras tribus puede significar el mensaje de represión de un Dios.

La muerte de Ofelia

Al final de la historia se encuentra Ofelia con su hermano en brazos, el que se rehusa entregarle al Fauno para sacrificarle como parte de su tercera y última prueba. En ese momento el Capitán Vidal, inestable físicamente por encontrarse intoxicado, le dispara a Ofelia. Ofelia cae al suelo y derrama gotas de su sangre sobre la fuente del Fauno. Ha derramado sangre inocente, cumplió sus pruebas y esta lista para regresar a su reino, en donde es princesa.

¿Pero muere realmente Ofelia por el disparo del capitán?¿ Acaso no acababa de cumplir sus tres pruebas y estaba lista para volver a su reino?. Ya que las situaciones fantásticas de Ofelia se refieren a lo que percibe, a lo que asocia y cree de la realidad, su muerte puede significar más que un hecho físico, su muerte psicológica, entiende que ha cumplido y esta lista para partir. Esto podría justificar que una vez que se le muestra llegando a su reino y siendo recibida como princesa, se enfoca su cuerpo tendido sobre la tierra, abre los ojos y esboza una sonrisa para cerrar los ojos para siempre.

Pienso sin embargo que es imposible determinar si la muerte se debió realmente a una causa física o a una muerte psicológica, así como no se puede determinar si se intento mostrar la mandrágora, la tiza mágica o el Fauno como un hecho real, pues no hay una intención explicativa, sino más bien se busca que el espectador lo entienda tal y como percibe su propia realidad, y de esta manera está en él tomarlo como fantasía o realidad. Esta intención reflexiva la obtenemos en la frase final de la película que pone fin a la historia: " Y se dice que la princesa bajó al reino de su padre, y que ahí reino con justicia y bondad por muchos siglos. Que fue amada por sus subditos y que dejó de tras de sí pequeños pasos de sus huellas por el mundo visibles solo para aquel que sepa donde mirar".

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Cinco geniales cortos de Pixar

De la mano de sus innovadores y esperados largometrajes, Pixar regala al mundo año tras año una muestra de sus mejores habilidades en el arte de la animación a través de curiosos cortometrajes cargados de sus recurrentes elementos: expresividad emotiva, crítica y reflejo social, y un humor fino y profesional.
A continuación cinco de los mejores cortometrajes de Pixar, con una breve explicación de contenido. Se cargan bastante rápido, que los disfruten!.

Boundin' (2003)
Un corto musical compuesto por un conjunto de rimas sencillas y geniales, armonizado por ritmos y acentos típicos del sur de los Estados Unidos. El Jackalope, críatura fantástica representada en las leyendas como una mezcla entre un conejo y un antelope -- especie de ciervo americano, enseña a la oveja la búsqueda de la belleza interna y el autoestima como un camino a la felicidad.

For the Birds (2000)
Ganador del oscar como mejor corto animado en el 2000 cuenta la historia del rechazo de un conjunto de pájaros -todos iguales como estereotipo de la sociedad-- a otro pájaro diferente al resto, en el intento de este de congeniar. El resultado de esta actitud exclusiva y arrogante repesentada de una forma genial...

Geri's Game (1997)
También ganador del Oscar como mejor corto animado, entre otros muchos premios de gran reconocimiento, corresponde a la primera producción de Pixar en la que un ser humano es el personaje principal y fue publicada justo después de Toy Story (1997).
Una representación conmovedora del sentido de la felicidad en la "lucha" de Geri con su alter ego, consciente claro esta, en una puesta en pantalla interesante en la que destaca la gran calidad en la expresión facial de los sentimientos.
El personaje fue utilizado seguidamente en Toy Story 2 (1999) como reparador profesional de juguetes de colección.

One Man Band (2005)
El corto fue publicado junto al largometraje Cars en otra entrega netamente musical, en un despliegue de sincronización sonido-animación muy bien logrado. El picante sentido humorístico de siempre no podía faltar.



Jack-Jack Attack (2005)

Publicado en 2005 junto al largometraje The Incredibles es más bien una extensión de la película, mostrando en pantalla los sucesos ocurridos en la casa de los Parr mientras el bebé, Jack-Jack, es cuidado por la niñera. En el largometraje se referencia la escena a través de los mensajes que la niñera deja a Elastigirl, en el corto entramos directamente en la acción.
Muy divertido.

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Wall E : Madera de clásico

No en vano se habla de Pixar como el estudio de animación con el toque del rey Midas: idea que desarrollan, idea que convierten en oro, y Wall E (2008) no fue la excepción. Los numerosos trailers publicados antes del estreno no transmitieron, a mi parecer, ninguna clase de motivación particular por la película y llegaron a sembrar la incertidumbre de que Pixar podría haber fallado esta vez. Pero esta opacidad de los trailers quedó totalmente justificada al presentarse un largometraje animado de condiciones únicas: secuencias animadas con una calidad de vanguardia, una expresividad impactante y una serie de mensajes revestidos de una crítica arrolladora pero en busca de la reflexión, todo un clásico.

Existen tres elementos fundamentales en Wall E que sitúan a este film en un marco de innovación comunicativa: La comunicación limitada a las expresiones, una violenta crítica a la despreocupación del hombre, y la diferenciación del ser humano en dos épocas distintas en la caracterización de Wall E y Eva (que originalmente recibe el nombre de Eve por Extraterrestrial Vegetation Evaluator).

Una apuesta arriesgada

Los estudiosos del lenguaje aseguran que tan solo el 10% de la comunicación corresponde a las palabras que se utilizan. Y en esto se basó con fuerza Pixar para contrarrestar a los numerosos productores y críticos que dictaminaron el fracaso inminente de un film en el que los personajes principales pronuncian poco menos de cinco palabras diferentes.
La expresividad de Wall E y Eva es simplemente impactante y conmovedora, centrada en un magnífico manejo del ojos y los brazos.
En Wall E se presenta su timidez e inseguridad en el movimiento inquieto y torpe de sus manos y se enmarca la genialidad del personaje en dos ojos redondos y siempre abiertos que reflejan una inocencia tal que lo dotan de un alma propia, entrando en conexión inmediata con el espectador. Eva es un robot que tiene como rostro una pantalla que se refresca en cada una de sus expresiones, representadas por dos ojos de color plano bajo un estilo de caracterización japonés, que pese a su sencillez la revisten de una personalidad única.

Esta apuesta por una mezcla de comunicación meramente expresiva en los héroes y principalmente verbal en el resto de los personajes, que fue posible unicamente a través de un despliegue fenomenal de elementos de animación, permite a Pixar seguir siendo pionero en el campo del CGI -- computer generated imagery--.

Crítica rotunda ante una realidad inminente

La historia de amor entre Eva y Wall E queda como un elemento suplementario y a la vez contributivo ante la intención del film de transmitir crudamente la realidad de la despreocupación del hombre por su entorno, enmarcada en una sociedad obesa, genérica e individualista que pierden la capacidad de actuar sin la asistencia de máquinas, constituyéndose como una fuerte crítica a la sociedad estadounidense.
Los seres humanos han pasado mas de setecientos años viviendo en el axioma en un estado de comodidad absoluta, son tratados de manera genérica por lo cual todos consumen las mismas bebidas, se visten de la misma forma y se desplazan en los mismos aparatos. Han creado un mundo en el que las máquinas los mantienen eternamente mientras el planeta tierra ha quedado sin rastros de vida natural por consecuencia de la misma irresponsabilidad. Un reflejo de un futuro que parece inminente mientras se siga despreciando a la naturaleza en virtud de la comodidad y el avance tecnológico, representado en un modelo arquetípico de la sociedad americana: irresponsable, consumista y obesa.

A la par de esto se presenta al gobierno, claramente americano, incapaz de controlar la situación ni de asincerarse con su pueblo, al que envía al espacio como medida temporal y obliga luego a alejarse de la tierra, por una devastación que parece ser consecuencia de ellos mismos. Tal vez la única escena criticable de la película es la puesta en escena de una persona real y no animada, el presidente, que parece cortar con el hilo de la trama por resultar tal vez un poco chocante. Sin embargo considero que esta es la manera del director de reflejar que nos enfrentamos a un problema real, un problema de carne y hueso, y no un problema fictio ni animado.

Volvamos a ser humanos

Los seres humanos en el axioma han perdido relación con los elementos que los hacen humanos, desapareciendo las relaciones sociales, el sentido de colaboración y principalmente el amor. Y es exactamente esto lo que descubre Wall E en videos de musicales de los años sesenta, la armonía de los seres humanos a través de sus sentimientos. Wall E entiende el hecho de agarrarse de manos como amor, y es capaz de perseguir a Eva hasta el espacio para demostrárselo. Wall E aprende la inocencia y el amor plano y sincero viendo videos de lo que una vez fue la raza humana y que para ese momento no lo es ya. Un primer aviso, pero definitivo, de lo que puede resultar la humanidad a través de la pérdidad acelerada de los valores, un hecho patente en la sociedad actual.

Al final la película deja espacio para la esperanza y la rectificación. El capitán del axioma impresionado por las imágenes de lo que una vez fue la tierra e indignado por su estado actual decide vencer al control de las máquinas y devolver al planeta su estado natural. El axioma regresa al planeta y la raza humana comienza la rehabilitación de la tierra, haciendo énfasis en la colaboración entre las personas, incluso ayudadas por las máquinas, y en la educación de los jóvenes en los valores fundamentales de la vida. Al mismo tiempo Wall E y Eva logran expresarse su amor, se unen dos realidades que pese a ser tan divergentes son capaces de coexistir: el avance tecnológico y el sentido humano.

Y para cerrar con broche de oro están los créditos de la película, representando el avance de los seres humanos desde la vuelta a la tierra a través de las diferentes culturas de la historia, un toque de las más pura creatividad de estos amos de la animación.

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El Naúfrago: Ilusión y realidad, un enfoque de la vida

El cine del siglo XXI inauguró con una película cargada emocionalmente y revestida de un humor oscuro y afilado, cuando Tom Hanks interpretó de manera excepcional al empresario de Fedex Chuck Noland que recala en una isla solitaria luego de ser el único sobreviviente de un accidente aéreo en El Naúfrago (2000) --Cast Away--. Pero más alla de las divertidas ocurrencias de Chuck en su intento de sobrevivir y de su humorístico mal humor, se presenta el reflejo de una realidad intrínseca del ser humano: el caracter eminetemente social o lo que es lo mismo la necesidad de los otros, enmarcado en un interesante debate entre la realidad y la ilusión, enfocándose en el mensaje de la esperanza a través de la virtud de la voluntad.

Al llegar a la isla Chuck subsiste como si de un turista se tratase, buscando los medios directos y mas sencillos de supervivencia, como aquel que está de paso. Al cabo de cierto tiempo entiende que se encuentra relegado al olvido, que su vida pasa a estar completamente en sus manos. Y es en ese momento en que surge Wilson. Wilson, como concepto, es la representación del deseo de interacción, de la necesidad de comunicación del hombre que comprende la soledad como la mas terrible prisión, una prisión psicológica. La soledad del hombre como especie --que se considera como la base de la existencia de las religiones-- unida al sentimiento del aislamiento de la sociedad resulta una presión devastadora en la mente humana, tal como lo reflejan las reflexiones de Chuck en la isla.
A la par de la necesidad social se presenta el concepto de la ilusión como el elemento que termina de dar consistencia a la existencia humana. Chuck vive de la ilusión de volver a ver Kelly, y es un retrato de ella lo que mantiene con vida su voluntad de sobrevivir.
Se presenta entonces la estabilidad del hombre como ser vivo en la armonía y coexistencia de dos elementos fundamentales: la relación social y la ilusión por la vida.
Chuck llega a perder la ilusión y se resigna al suicidio, aunque fortuitamente falla en sus intentos, presentándose una interesante relación destino-suerte que destacaré mas adelante.

Luego de entender que la ilusión de la vida fundamenta su existir, Chuck construye una balsa para escapar de la isla, que en vez de representar una verdadera intención de llegar a tierra, consiste en la idea de luchar por la vida, se resigna a su muerte de la mano de la esperanza.
En alta mar ocurren un par de escenas que considero que comprenden la idea principal de la película:
1) Wilson cae al mar y es arrastrado por la corriente, en una escena en donde destaca el dolor de Chuck y la desesperación al ver que su único amigo, la representación de su entorno social, va a desaparecer para siempre. Chuck no está loco al sufrir por la perdida de una pelota, pues ese pedazo de plastico represento su apego a la realidad, un mundo imaginario que fue tan real como curativo.

2) Eventualmente un buque pasa al lado de Chuck que en su desconcierto y somnolencia no lo nota. En ese momento una ballena lo despierta haciendo caer agua sobre él y permite que se salve. Aunque algunas críticas destruyeron esta escena acusando al director de un Deus ex machina o recurso debajo de la manga, esto realmente no representa un evento real sino mas bien una metáfora que busca comunicar la idea de que el destino y la suerte son consecuencia de la voluntad del esfuerzo y del apego a la esperanza. Henry Ford, fundador de la compañia automotriz Ford, destacaba este enfoque de la vida cuando decía: "...para llegar al éxito se requiere de mucha suerte, pero curiosamente mientras mas trabajo mas suerte tengo."

Chuck logra salvarse y volver a tierra, y es ahí cuando se presenta el funesto choque entre la realidad y la ilusión. Kelly está casada, toda su vida ha cambiado. La ilusión de Chuck de volver a su mundo real choca con el panorama de la realidad explícita. La fuerza y la voluntad le permitieron salvarse, pero la ilusión de una persona no puede revasar los límites de la realidad de otra.
Sin embargo Chuck encuentra al final una ruta para formar una nueva vida, una gran luz al final de un túnel construido por la misma esperanza y voluntad que lo salvaron del aislamiento, la fuerza de la autosuperación.
De esta forma, se presenta un enfoque de la vida hómologo al presentado en Bruce Almighty(2003) del que tomaré la frase que enmcarca dicho enfoque: "...se tú el milagro"

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Nueva sección de encuestas

Con motivo de conocer más del gusto de los lectores se ha abierto una nueva aplicación de encuestas en la columna del blog que encuentran a su mano derecha. Cada semana se publicará una nueva encuesta acerca de películas, enfocadas en los roles de interpretación, temática, dirección, despliegue gráfico o cualquier otro elemento cinematográfico. Al darse por terminada la encuesta se publicará un artículo en referencia a los tópicos encuestados, haciendo énfasis en la elección realizada por los usuarios.

Los invito a participar en la primera de estas encuestas que inaugura el mes de Agosto. Se trata del gigante de la animación Pixar que en cada una de sus entregas nos regala films cargados de temáticas y técnicas de animación innovadoras. Pese a lo complicado de escoger algun largometraje de Pixar sobre otro, se invita a elegir el que consideres mejor logrado, es decir aquel que compenetre mejor los elementos de animación, temática y trama de forma integral.

Que lo disfruten!

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Más allá de los sueños. Segunda Parte: El infierno

A través del suicidio de Annie se presenta la conceptualización del infierno como el oscuro mundo de la conciencia del ser humano, aquel espacio indefinido e impreciso en donde reinan los mayores temores y el sentimiento de culpabilidad por lo hecho o lo dejado de hacer.
Annie, como suicida, recala en el infierno al morir, se encuentra destinada a luchar con sus demonios internos eternamente, pero más que estar destinada por alguna fuerza externa todopoderosa como un fatum o destino incambiable, se encuentra aprisionada por su propio desconcierto, es un ser que no termina de aceptar su partida del mundo terrenal y que vive encerrada en su propia tragedia psicológica, la misma que la ha llevado al suicidio.

Se presenta entonces un infierno como doble complementario del paraíso. Ambos se constituyen como un reflejo de la mente y del alma, pero mientras que uno se manifiesta como la vivificación de los deseos y de los sueños, la liberación del pensamiento, el otro se hace presente como un laberinto sin sálida de autotorturas psicológicas. Se presentan como la antagonía entre la liberación y la prisión del pensamiento.

Chris, consternado por la idea de que Annie resida eternamente en el infierno, decide ir en su búsqueda y rescatárla. Decide entonces afrontar su infierno; decide internarse en su propio oscuro mundo de dudas y temores, presentado brillantemente por el director en una secuencia de acciones en donde intercala escenas de su recorrido por el infierno, con escenas de su vida terrenal, que representan, unidas, la lucha del ser y su mente.
Al final de su recorrido encuentra a Annie, y es en ese punto en que el infierno personal alcanza los límites del autocontrol, cuando se topa con el infierno de otro ser, el de Annie.
El guía le indica a Chris que tiene tres minutos para hablar con ella antes de perder la cordura. Se presenta a Annie en el interior de su casa pero en un ambiente sórdido y decadente, ensimismada en sus ideas y ausente de la realidad, no es capáz de reconocer a nadie, porque en un principio no es capaz de reconocerse a sí misma.

En una escena profundamente sentimental e impactante Chris intenta que Annie lo reconozca y así mismo que se libere de su telaraña de torturas mentales, en donde se presenta la lucha de Chris con su sentimiento de culpabilidad por el suicidio de su esposa enfrentado a la lucha interna de Annie con sus demonios. Juntos luchan por la liberación individual de su alma.
Chris entiende que no puede sacar a Annie de su prisión y decide ceder ante la locura y entregarse junto a ella al infierno.

En la escena siguiente se encuentran ambos en el paraíso, en un entorno conformado por los deseos comúnes de estas almas gemelas. Chris se abandonó a la locura, renunciándo al paraíso o a la serenidad de su mente por Annie, y de esta forma Annie pudo ver más alla del encierro de sus ideas, entendiendo el perdón de Chris, siendo capaz entonces de liberar su pensamiento y perdonarse a sí misma. Es por esto que, liberados de la tortura de sus temores, pueden ambos recalar finalmente en el paraíso.

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Reseña: The Nightmare Before Christmas (1993)

Como una estocada brillante al cine del siglo XX y armonizado por una apuesta única y genialmente desarrollada del parádigma de animación cuadro a cuadro, se presenta este film sencillamente como una obra maestra del consagrado Tim Burton, que mezcla en un trama divertida y dinamica, un humor oscuro pero estilizado con un interesante mensaje acerca del descubrimiento interno de la persona y una elegante crítica a la sociedad Estadounidense.
Los puntos de inflexión del desarrollo de la historia son presentados a través piezas musicales verdaderamente originales y finamente definidas, compuestas por el maestro Danny Elfman, que llenan de vida la trama y permiten concretar el mensaje.

Para aquellos que no han visto la película recomiendo continuar la lectura del artículo, puesto que, aunque los elementos principales de la trama son expuestos de manera concreta, el verdadero disfrute de este film está en percibir el conjunto total de elementos al momento de verla.


El relato comienza en Halloweentown, una comunidad dedicada a desarrollar año tras año las mas variadas formas de susto, conformada por un conjunto de seres sacados de una fusión entre los monstruos mas arquetípicos de la literatura universal y el imaginario de Burton, y se centra en el personaje ilustre y modelo de la ciudad Jack Skellington, "The Pumpking King".
Jack se presenta en un debate interno entre el éxito de su posición dentro del pueblo y la rutina del trabajo, que lo ha ido desilusionando hasta el punto de autocuestionar su labor. Andando por los terroríficos, pero genialmente confeccionados, escenarios de su mundo se topa con varias puertas, pintadas con figuras alusivas a cada una de las festividades Americanas y termina entrando en la puerta de la navidad, llegando al mundo de "Christmas Town".Impresionado por un ambiente rebosante de color, alegría y paz, Jack retoma la ilusión de un nuevo reto y planea reformar la labor del pueblo de Halloween para satisfacer al mundo de la navidad, encarnándo él al mismo "Sandy Claus". Inspirado por la ilusión de un cambio a la rutina retorna a "Halloween Town" para proponer la nueva idea a sus habitantes, que, acostumbrados a las más terribles prácticas del terror, interpretan el mundo de la navidad de su forma particular.
Jack se centra en estudiar los detalles de la navidad, hace raptar a "Sandy Claus", manda a maquinar sus particulares renos y prepara su atuendo, mientras el pueblo elabora los retorcidos y nunca menos espantosos juguetes de navidad.
A la par de la trama se desarrolla la historia de amor entre Sally y Jack. Sally, constantemente aprisionada por su creador, el Dr.Finkelstein --personaje genial, que hace una alusión irónica y sutilmente esterotipada del Dr.Frankestein--, parece ser la única en el pueblo que entiende que Jack se dirige a una desgracia, idea que reafirma en una visión, y hace lo posible por evitar la cristalización de sus intenciones.

Fracasando estrepitósamente en su cometido, Jack debate sus ideas una vez más, y comprende su importancia en el mundo de Halloween y la necesidad de que sea él, el mas excelso atemorizador, el que devuelva su mundo a realizar el trabajo que mejor saben hacer, entendiendo a su vez que solo "Sandy Claus" puede hacer lo mismo para "Christmas Town".
De esta forma Jack se encuentra a sí mismo, a través de la falla y la rectificación termina de entenderse de una forma integral, y ratifica la importancia y la insustituibilidad del esfuerzo de su labor para su mundo.

El film continúa hasta un esperado pero no menos entretenido desenlace en el que Jack lucha por salvar a "Sandy Claus", ahora en las manos del infaltable villano Oogie Boggie, cerrando con broche de oro una increible y única muestra de exitosa integración de animación, sonido, contenido y humor, en una obra que sólo Tim Burton es capaz de imaginar.

La película estuvo en producción por más de diez años,--contando desde la creación de la idea--, desarrollada a través de una animación cuadro por cuadro, es decir un conjunto gigantesco de fotos de escenarios físicos tomadas una a una y colocadas secuencialmente para dar el efecto animado. Burton se encargó de escribir y producir, mientras que la dirección estuvo en manos de Henry Selick, y requirió de la creación de toda una empresa, Skellington Studios, para su desarrollo, contando con numeros artistas, dibujantes y expertos en animación. Los personajes fueron creados como muñecos conformados por una esqueleto metálico y recubiertos por espúma de latex, y requirió de la creación de decénas de modelos por personajes, en especial de sus expresiones faciales.
Al final, una larga pero muy exitosa carrera para el desarrollo de esta obra de arte. No dejen de verla.

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